Барокко фигуры. Презентация на тему: "Скульптура барокко – художественный стиль в сфере скульптуры
В Италии в конце XVI в. сложился стиль барокко. Он отличался масштабностью, эмоциональностью и сложностью композиции.
Карло Мадерна (1556-1629)
Карло Мадерна (Мадерно) – швейцаро-итальянский архитектор, обучался у своих родственников: у Доменико, затем у Джованни Фонтана. Сначала работал простым каменщиком, строил водопроводы и фонтаны. Постепенно стал принимать участие в строительстве сооружений.
Первой самостоятельной работой Карло Мадерны является создание фасада церкви Санта-Сусанна.
Фасад церкви Санта-Сусанна (1603)
Фасад собора разделён на два яруса. Нижний ярус украшен полуколоннами, которые подчёркивают вертикальную ось здания. Над фронтоном портала – балюстрада. Декоративные элементы и скульптуры придают особую выразительность формам.
В 1605 г. Мадерна работал над строительством церкви Санта-Мария делла Виттория, полностью им спроектированной.
Внешний вид храма Санта-Мария делла Виттория
Эта небольшая церковь в Риме известна театрализованным убранством капеллы Корнаро, в особенности выполненной Бернини группой «Экстаз святой Терезы», которая считается триумфом искусства барокко.
Джованни Лоренцо Бернини «Экстаз св. Терезы»
Архитектор Карло Мадерна заканчивал строительство собора святого Петра в 1605-1613 гг., а вернее, делал его перестройку. Собор был возведен в эпоху Возрождения архитекторами Браманте , Микеланджело и др. Он изменил вид центрального плана собора, вытянув его неф и часовню, сделав из греческого латинский крест. Фасад стал преобладать над остальными архитектурными элементами собора. Эта работа была главным делом его жизни, но позже он подвергся суровой и не вполне справедливой критике за то, что устоял от соблазна общего в его время увлечения экстравагантными и дешёвыми эффектами, а старался при достройке собора идти по стопам Браманте и Микеланджело. Но он жил уже в другое время, и это ему полностью осуществить не удалось.
Фасад собора св. Петра
Карло Мадерной созданы и другие постройки: купола церквей Сан-Джованни деи Фиорентини и Сан-Андреа делла Валле, участие в строительстве палаццо Барберини в Риме, которое оканчивали другие архитекторы.
Палаццо Барберини (гравюра Пиранези)
Франческо Борромини (1599-1667)
Франческо Борромини – великий итальянский архитектор, работавший в Риме. Представитель раннего барокко.
Он был сыном каменотёса и учеником Карло Мадерны, своего дальнего родственника. После смерти Мадерны присоединился к группе Бернини, достраивавшей палаццо Барберини.
Лестница-улитка в палаццо Барберини. Архитектор Ф. Борромини
Работал в Риме. Его творческую манеру отличало отсутствие прямых линий, изобилие причудливых архитектурных деталей, усложнённая планировка интерьеров с большими перепадами уровней.
Покончил с собой в возрасте 68 лет.
Работы Франческо Борромини
Церковь Сант-Иво алла Сапиенца в Риме, во дворе университета. Архитектор Ф. Борромини (1642-1660)
Навершие университетской церкви
Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме. Архитектор Ф. Борромини (1634-1667)
Эта церковь – эталон причудливой барочной криволинейности, спроектированный и построенный в Риме Франческо Борромини.
Овальный купол
У церкви углы срезаны и возле них расположены четыре скульптурные группы с фонтанами, отсюда название «алле Куатро Фонтане». Фигуры ангелов поддерживает большой овал с изображением герба.
Внутреннее убранство выполнено в белом цвете и считается первым творением эпохи расцвета римского барокко.
Фасад церкви Сант-Аньезе ин Агоне на пьяцца Навона (1653-1657)
Строительство церкви в 1509 г. начал Антонио да Сангалло младший, затем над ней работали другие архитекторы. Купол возведен по проекту Карло Мадерны (1620), позже здесь похороненного, фасад достроен в XVIII в. Алтарь – последняя работа Борромини, который также похоронен здесь.
Стиль барокко в скульптуре Л. Бернини
Баро́кко («порочный», «распущенный», «склонный к излишествам», «жемчужина неправильной формы) - характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI-XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Барокко противостояло классицизму и рационализму.
Стиль барокко был призван прославлять и пропагандировать могущество власти, знати и церкви, но вместе с тем он выразил прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничности и многообразии мира, его изменчивости. Человек в искусстве барокко воспринимается как часть мира, как сложная личность, переживающая драматические конфликты.
Особенность барокко - не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем
Бернини крупнейший скульптор и архитектор Италии ХVII века. Был представителем итальянского барокко. Сын известного скульптора Пьеро Бернини Лоренцо. Начал заниматься ваянием еще в детстве. В 17 лет он мог уже принять заказ на портретный бюст епископа Сантоки, установленный на его надгробии, а в 20 лет – выполнить портрет папы Павла V. Вслед за этим он несколько лет провел за созданием четырех больших мраморных скульптур, которые заказал ему для сада кардинал Шипионе Боргезе.
В 1650–1670 гг. Бернини делит свое внимание между созданием уличных фонтанов, монументальных надгробий и архитектурных сооружений.В качестве придворного архитектора и скульптора римских пап Бернини выполнял заказы возглавлял все остальные архитектурные, скульптурные и декоративные работы, которые велись по украшению столицы
В соборе святого Петра находятся виртуозно исполненные скульптурные произведения Бернини - алтарная кафедра апостола Петра (1657-1666) с фигурами отцов церкви, святых и ангелов, сверкающая позолотой, привлекающая бурной динамикой и масштабностью. В интерьерах собора в капеллах размещены пышные папские надгробия; статуи святых в стремительных движениях и поворотах, с экспрессивной мимикой и жестикуляцией как бы разыгрывают драматические сцены оплакивания и прославления. Декоративную скульптуру Бернини уподобляет своеобразной картине, располагая ее то в глубоких нишах, то перед стеной, используя цветовые эффекты, достигнутые сочетанием различных материалов: бронзы, позолоты, разноцветных мраморов.
Наряду с барочной декоративной пластикой Бернини создает ряд статуй и портретов, подчас перерастающих рамки барочного искусства. Характер его новаторских исканий ясно ощутим в страстно патетической статуе «Давид» (1623, Рим, галерея Боргезе). В противовес завершенному действию в статуях Донателло и Верроккьо, спокойно-уравновешенным гармоничным героям эпохи Возрождения, Бернини, словно развивая идею Микеланджело, изображает Давида в момент схватки в неистовом порыве ярости, полным драматического пафоса. Герой приготовился с помощью пращи метнуть камень в своего врага. Его фигура в резком развороте и наклоне, нарушающем композиционное равновесие, требует обхода и рассмотрения с разных сторон. Лицо полно ненависти, губы гневно сжаты, взгляд яростен. В скульптуре Бернини намечаются черты реализма нового типа, включающего множество конкретных ощущений и наблюдений.
Тонкость жизненного наблюдения пронизывает позднее произведение Бернини - алтарную группу «Экстаз святой Терезы» (1645-1652, Рим, церковь Санта-Мария делла Виттория), послужившую образцом для многих барочных ваятелей не только в Италии, но и в других странах.
С поразительным мастерством размещает Бернини в алтаре, среди расступающихся колонн мраморные фигуры парящей в облаках Терезы и ангела. Это изображение мистического видения скульптор претворяет в образы, исполненные трепета жизни. Разметались складки монашеского одеяния Терезы, бессильно повисла нервная тонкая рука, запрокинута голова с прекрасным лицом, полуоткрытыми губами, с выражением экстатического блаженства и страдания. Душевное движение передано с невиданной ранее убедительностью. Тереза не видит ангела, но ощущает его присутствие всем существом. Обе мраморные фигуры кажутся совершенно реальными и в то же время представляют зрелище, полное мистического настроения. Сочетание в одном произведении реальности и вымысла способствует созданию впечатления двойственности, столь характерной для искусства барокко в целом. Церковная идея находит здесь свою конкретную, убедительную чувственную оболочку в пышном зрелище, которое захватывает зрителя своей необычностью. В стремлении к иллюзионизму Бернини порывает с тектоническим принципом скульптуры Возрождения. Скульптурная группа в его трактовке утрачивает самостоятельность и включается как фрагмент в общую картину, рассчитанную на эффектные контрасты светотеневых и цветовых пятен, - разноцветный мрамор обрамления, серый гранит, претворенный в легкие облака, на фоне которых размещены фигуры, усиливают ее декоративность.
Новаторство Бернини проявилось и в многочисленных портретах, скульптурных бюстах. Бернини видел и понимал человеческое лицо как пластическое целое, находящееся в постоянном движении. С поразительной остротой передавал он характеры портретируемых. В портрете кардинала Боргезе (1632, Рим, галерея Боргезе) он воссоздал многогранный образ самоуверенного, надменного, умного и властолюбивого человека. Смело обобщая пластическую форму, тонко обыгрывая детали, скульптор добивался передачи наиболее существенных черт модели, осязаемости фактуры материалов. Созданный Бернини пышный репрезентативный портрет Людовика XIV - французского «короля-солнца» (1665, Версаль) послужил образцом для подражания барочным скульпторам.
Архитектуру барокко невозможно представить себе без скульптурного оформления. По своему предназначению барочная скульптура разделяется на культовую и светскую. Культовая скульптура -- это отдельные статуи, скульптурные группы, рельефные композиции, скульптурные надгробия. Их основная тема -- изображение персонажей Священного Писания, сцен чудес и мученичества. Культовая скульптура барокко -- это подобие земных страстей и аффектов, окрашенных духовным порывом. В качестве самого яркого образца можно привести пример скульптурной композиции Джованни Бернини «Экстаз святой Терезы».
Светская скульптура барокко представлена монументами разного типа и назначения: парадные статуи монархов, портреты знати, скульптуры для городских фонтанов и садово-парковая пластика. Типичный признак барочной скульптуры -- потребность в среде, активное взаимодействие с ней, со стихией воды, воздуха, света. Произведения скульптуры барокко нуждаются в архитектурном или пейзажном обрамлении, поэтому впечатление от них теряется в музейной среде. Скульпторы барокко любят мрамор и бронзу, сочетание драгоценных декоративно выразительных материалов. Но в странах с крепкими традициями крестьянского ремесла (Бавария, Австрия, Польша, Прибалтика) дерево переживает блестящее возрождение в декоративных ансамблях церковного убранства.
В барочных скульптурах мы видим подчинение материала художественной идее. Экспрессия движения в пластике барокко особенно ярко проявляется в скульптурных группах, созданных для фонтанов. Среди них -- знаменитые работы Бернини -- фонтан «Тритон» на площади Барберини в Риме, фонтан «Четырех рек» на площади Навона и др. Стержень их композиционного замысла -- движение воды. Скульптура и вода образуют одно целое. Фигуры и необработанные глыбы камня своими несимметричными формами вторят движению воды, ее потокам и струям, бьющим в разных направлениях. Все соединено в сложном, как бы случайном ансамбле -- порождении природной стихии. Все вместе дает ощущение неукротимой жизни природы.
В эпоху Ренессанса живопись тяготела к скульптурным принципам, в эпоху барокко скульптура стремится к живописности. Мастера гордятся своим умением уподобить скульптуру живописи. Этому эффекту помогают световые блики, играющие на поверхности скульптур. Замыслы скульпторов рассчитаны на восприятие нежнейших переходов света и тени на человеческом теле, поэтому воздушное пространство, окружающее фигуры, играет очень важную роль в искусстве барокко. Именно барокко открыло пейзажную, парковую эру светской скульптуры.
В эпоху позднего барокко декоративная скульптура достигает полной свободы: статуи заполняют все пространство церквей и фасадов, садятся на выступы карнизов, взлетают до купола. В эпоху Возрождения скульптура служила украшением стен, в эпоху барокко она делается украшением пространства.
Ярчайшим мастером культовой скульптуры барокко был Бальтазар Пермозер («Отчаяние проклятого», «Святой Амвросий»). Его работы отличает экспрессия, переходящая в большую внутреннюю силу, уникальность работ мелкой пластики, глобальные философские проблемы.
Скульптор Антонио Канова известен своими работами в стиле барокко. Для его произведений характерен выбор сюжетов, связанных с библейской, мифологической тематикой героического или драматического плана. Его работы отличаются монументальностью, необычностью, вычурностью, динамикой ракурсов, общедраматическим звучанием («Орфей», «Геркулес и Лихас»). Постепенно Канова отходит от стиля барокко и лучшие его работы принадлежат к классицизму.
В эпоху барокко создаются также многочисленные парадные портреты и памятники.
Крупнейшие представители скульптуры барокко -- Л. Бернини в Италии, А. Шлютер в Германии, П. Пюже во Франции, где в тесной связи с барокко развивается классицизм (черты обоих стилей переплелись в творчестве Ф. Жирардона, А. Куазевокса и др.).
В России в стиле барочной скульптуры работал Б. К. Растрелли.
Не мало важное место в развитии в барокко занимает живопись в Италии XVII-XVIII вв. К примеру образ Ренессанса не может быть представлен вне художественных достижений эпохи. Наиболее знамениты живописные полотна таких мастеров, как Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан, Караваджо и др.
Художники Возрождения придают особое значение достижению максимальной точности и четкости изображения. Первоначально психологический момент живописных персонажей выражен не очень ярко. Главное внимание уделяется таким изобразительным средствам, которые позволяют достичь жизненности и живости всего, что запечатлевается, -- будь то человеческое лицо или складки одежды. Живописцы идут по пути формальных приемов достижения этих целей. Однако постепенно в произведениях Возрождения начинает все более явственно обнаруживаться психологическая сторона изображаемых персонажей. По портрету уже можно определить характер человека, его особенности, волнения его души и страстей. При этом особенно ценятся художественный вкус и чувство меры.
Достижением художественной культуры Ренессанса является также правильная геометрическая конструкция картины: изображение в буквальном смысле строится (а не рисуется) при помощи тщательно разработанных точных приемов. В основе применения геометрико-математических методов лежит убеждение в том, что природа в основе своей гармонична в смысле геометрико-математических пропорций: все в ней подчинено пропорциональности математических отношений. Точно так же выявляется пропорциональная закономерность человеческого лица и тела. Одновременно предполагается, что художник имеет право исправить несоразмерности природы там, где они нарушены в силу случайных причин. В известном смысле творческий гений художника ставится выше чисто природной красоты. Роль геометрических построений приводит к новому подходу к пространству изображения. Непреложным становится правило: пространство предшествует изображенным в нем телам и поэтому его надлежит размечать на рисунке в первую очередь. Организация пространства картины призвана особым образом воздействовать на зрителя. Наглядным примером в этом отношении может служить полотно Рафаэля «Афинская школа». На фоне величественной архитектуры и уходящей вглубь перспективы арочных сводов изображены античные мыслители. В центре группы -- Платон и Аристотель. Композиция картины призвана иллюстрировать обнаруживающееся в бесконечной перспективе единство разнообразных философских идей древнего мира.
Большинство сюжетов художественных произведений Ренессанса взято из Библии, и даже преимущественно из Нового Завета. Особенно популярно изображение Богородицы с младенцем (Христом). Возрожденческие мадонны, конечно, не имеют ничего общего с прежними иконами, на которые молились и от которых ждали чудесной помощи. Перед нами самые обыкновенные портреты, часто с самыми реалистическими и даже натуралистическими подробностями. Тем не менее, художники предпочитают писать образы Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя, апостолов или изображать эпизоды евангельской истории (например, «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи). Естественней было бы перейти к написанию портретов своих современников, а не скрывать портрет в библейском образе. В чем здесь дело? Едва ли живописцы Ренессанса стремятся только к тому, чтобы доказать, что под библейскими персонажами скрываются обыкновенные люди, с земными мелкими страстями. С точки зрения Возрождения в этом не было бы ничего привлекательного. Ренессанс стремится не принизить божественное, а наоборот, возвысить земное до божественного. Евангельские сюжеты придают возвышенный тон земным проявлениям человека, чего нельзя или гораздо труднее достичь, если на картине изображен сюжет из чисто земной жизни. «Небесный мир» и «земной мир», «рай» и «ад», «грехопадение», «искушение», «воскресение духа и тела» -- эти и иные категории зримо и незримо присутствуют в картинах Возрождения. Они призваны показать, что глубины библейского сюжета вполне доступны всякому человеку. И одновременно, что земная человеческая личность достойна, быть причастной к божественному. Так, например, в образе Мадонны возвышается образ женщины, матери, а вместе с этим и земная человеческая любовь.
Возрождение исключительно богато творческими личностями. Не случайно принято говорить о титанах и титанизме Возрождения. Одним из таких титанов был, несомненно, Леонардо да Винчи (1452--1519). Титанизм проявляется (как уже отмечалось) в страстном порыве к самоутверждению личности. Личность соизмеряет себя с творческими силами Космоса. Пока что это реализуется по преимуществу в художественно-эстетической форме; последующая эпоха Нового времени будет утверждать индивидуального и коллективного субъекта через научно-технический прогресс; речь пойдет о практическом преобразовании природы. Возрождение не ставит этих задач. Далеко отстоит оно и от атеизма, и от культа научного разума, свойственных последующему времени западноевропейской культуры. Однако Возрождение прямо или косвенно подготовляет последующую эпоху. Уже в деятелях Возрождения заметно, что чрезвычайная внешняя активность, широта интересов, одержимость творчеством достигаются ценой утраты цельной личности. Личность активна, как никогда раньше. Одновременно она ощущает внутренний надлом, постоянную неудовлетворенность. Она разбросана, направляет свои титанические усилия то в одну, то в другую сторону; ни в чем она не находит утоления жажды самоутверждения, хотя всюду достигает результатов, невиданных ранее, -- результатов, часто не доведенных до завершения. Таков был Леонардо -- один из величайших деятелей Возрождения.
Особое место в развитии живописи XVII-XVIII вв. занимает Караваджо и караваджизм. Караваджо (Caravaggio; собственно Мерзи да Караваджо, Merisi da Caravaggio) Микеланджело (28.9.1573, Караваджо, Ломбардия, -- 18.7.1610, Порто-Эрколе, Тоскана), итальянский живописец. Основоположник реалистического направления в европейской живописи 17 века. Учился в Милане (1584--88) у С. Петерцано. Между 1589 и 1593 приехал в Рим, где работал до 1606, затем -- в Неаполе (1607 и 1609--10), на острове Мальта и в Сицилии (1608--09). Творчество К., не принадлежавшего к какой-либо определённой художественной школе, возникло как оппозиция господствующим направлениям в итальянском искусстве конца 16 -- начала 17 вв. (маньеризму и академизму).
Ранние произведения Караваджо (между 1592 и 1598), с их звонким колоритом и прозрачной светотенью, обнаруживают связь с традициями североитальянской живописи 16 в. (Дж. Савольдо, Л. Лотто, А. Моретто и др.). Вместе с тем уже в них появляется ряд существенно новых черт. Принципу идеализации образа Караваджо противопоставляет индивидуальную выразительность конкретной модели («Маленький больной Вакх», Галерея Боргезе, Рим), аллегорическому истолкованию сюжета -- непредвзятое изучение натуры в простом бытовом мотиве («Юноша с корзиной фруктов», Галерея Боргезе, Рим). Полемизируя с художественными концепциями маньеризма и академизма, К. воплощает в античном сюжете празднично-игровое, народное начало («Вакх», 1592--93, Галерея Уффици, Флоренция), приходит к отрицанию господствующей системы жанров и вносит вклад в создание новых видов живописи -- натюрморта («Корзина с фруктами», около 1596, Пинакотека Амброзиана, Милан) и бытового жанра («Гадалка», Лувр, Париж). Религиозная картина получает у него новую, интимно-психологическую интерпретацию («Отдых на пути в Египет», Галерея Дориа-Памфили, Рим). К концу 1590-х гг. складывается оригинальная живописная система К. Ярко освещенный лучом света передний план картины выделяется на погруженном в густую тень фоне, чем достигается подчёркнутая оптическая наглядность изображения и создаётся впечатление его непосредственной близости к зрителю («Лютнист», Эрмитаж, Ленинград). Зрелые произведения К. (1599--1606) -- это монументальные по композиционному решению полотна, обладающие исключительной драматической силой. Мощные контрасты света и тени, выразительная простота жестов, энергичная пластичная лепка и звучный, насыщенный колорит отражают эмоциональное напряжение, возникающее при неожиданном проявлении идеально-возвышенного в обыденной жизни людей или в моменты духовного противостояния человека враждебному ему окружению («Призвание апостола Матфея» и «Мучение апостола Матфея», 1599--1600, церковь Сан - Луиджи деи Франчези, «Распятие апостола Петра» и «Обращение Савла», 1600--01, церковь Санта-Мария дель Пополо, «Мадонна ди Лорето», около 1603--06, церковь Сант-Агостино, -- все в Риме; «Положение во гроб», 1602--04 (см. илл.), Пинакотека, Ватикан; «Смерть Марии», около 1605--06, Лувр, Париж). Подчёркнутая простонародность типажа, решительность утверждения демократических художественных идеалов в картинах К. вызвали резкую оппозицию сторонников официального искусства. Ряд произведений художника был отвергнут заказчиками. В поздних работах К., созданных в годы скитаний по югу Италии (1606--10), дальнейшее развитие реалистических тенденций, расширение сферы охвата жизненных явлений («Семь деяний милосердия», 1607, церковь Пио Монте делла Мизерикордия, Неаполь) сопровождаются углублением трагизма мироощущения. Наряду с нотами скорбной отрешённости в них проявляется дух возвышенного стоицизма («Казнь Иоанна Крестителя», 1609, собор Сан-Джованни, Ла-Валлетта; «Погребение св. Лучии», 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракуза). К. обращается к теме одиночества людей в огромном мире, его привлекает образ тесно спаянного человеческого коллектива, объединённого атмосферой родственной близости и душевного тепла. Свет в поздних картинах К. становится мягким и вибрирующим, цветовая гамма тяготеет к тональному единству («Поклонение пастухов», 1609, Национальный музей, Мессина). Манера исполнения приобретает черты свободной импровизационности. Новаторское искусство К. нашло последователей в Италии и др. странах Европы, оказав влияние на сложение реалистические течении во многих европейских художественных школах (Караваджизм).
Караваджизм:
- 1) система художественных средств, характерная для начального этапа становления реализма в европейской живописи 17 в. и получившая наиболее яркое воплощение в творчестве итальянского живописца Караваджо. К. свойственны демократизм художественного идеала, интерес к непосредственному воспроизведению натуры, повышенное чувство реальной предметности изображения, активная роль контрастов света и тени в живописном решении картины, стремление к монументализации жанровых мотивов. Обращение к приёмам К. было важной ступенью в творческом развитии многих ведущих мастеров 17 в. (П. П. Рубене, Рембрандт), хотя в ряде случаев оно и не являлось результатом прямого воздействия искусства Караваджо и его последователей (Ф. Рибальта, Д. Всласкес, Жорж де Латур).
- 2) Направление в европейской живописи 17 в., представленное последователями Караваджо. В Италии, где тенденции К. сохраняли своё значение до конца 17 в., они проникли во все значительные художественные центры и особенно сильно сказались в живописи Рима, Генуи и Неаполя. Наиболее оригинальное и самостоятельное преломление наследие Караваджо получило в творчестве О. Борджанни, О. Джептилески, К. Сарачени, Дж. Б. Караччоло. У ряда мастеров К. выразился в поверхностном заимствовании формальных приёмов и сюжетных мотивов искусства Караваджо (работы Л. Спады, Б. Манфреди и др.). Среди зарубежных представителей К. наиболее значительны: в Голландии -- Х. Тербрюгген, Г. Хонтхорст, Д. ван Бабюрен, во Фландрии -- Т. Ромбаутс, А. Янсенс, во Франции -- Ж. Валантен, С. Вуз, в Испании -- Х. Рибера, в Германии -- А. Эльсхеймер.
искусство италия скульптура
Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 24.07.2014 18:16 Просмотров: 6087Как только не называли этот стиль! – Странный, склонный к излишествам, нелепый, вычурный, неестественный...
Поначалу эти характеристики звучали как насмешка. И всё только потому, что новый стиль не соответствовал канонам античного искусства, на основании которых должно строиться художественное произведение и которые в дальнейшем использовали классицизм и рационализм. То есть, только так и не иначе.
Но, как известно, нет ничего постоянного в мире: всё течёт, изменяется и приобретает новые качества и приоритеты. И вот новый XVII век ознаменовался новым стилем. Этот стиль подчинил себе все виды искусства: от интерьеров и одежды до музыки. Но придёт время – и его потеснит другой стиль...
В какой стране могло зародиться барокко? Конечно же, в Италии. Именно Италия была центром европейской культуры XVII-XVIII вв., и уже отсюда началось триумфальное шествие барокко по Европе. В каждой стране барокко имело свои особые национальные черты.
Особенности стиля барокко
Самыми главными чертами барокко являются его стремление к пышности и величию. Барокко были свойственны также динамичность, контрастность, что сильно отличало его от ренессансной гармонии.
Если говорить об эпохе и людях, живших в это время, то можно увидеть особое увлечение развлечениями, карточными играми, именно в это время стали популярны маскарады, фейерверки, вычурные женские причёски, корсеты, неестественно расширенные юбки на каркасах, а у мужчин – напудренные парики, бритое лицо и т.д. Как видим, сильное отступление от естественной жизни, которая отвергалась как дикость и бесцеремонность. Стоит только вспомнить, сколько сил прилагал Пётр I , чтобы «облагородить» русское общество того времени. В подготовленном по его указанию сборнике «Юности честное зерцало» вторая его часть полностью посвящена правилам поведения для «младых отроков» и девушек дворянского сословия. Фактически, это первый в России учебник этикета. Юному дворянину рекомендовалось учиться в первую очередь иностранным языкам, верховой езде, танцам и фехтованию. Добродетелями девушки признавались смирение, почтение к родителям, трудолюбие и молчаливость, целомудрие. Сочинение регламентировало практически все стороны общественной жизни: от правил поведения за столом до государственной службы. Книга формировала новый стереотип поведения светского человека, избегающего дурных компаний, мотовства, пьянства, грубости и придерживающегося европейских светских манер.
Барокко в живописи
Те же особенности барокко и в живописи: пышность форм, броские динамичность и яркость, незаурядность сюжетов. Самыми знаменитыми представителями этого стиля в живописи были Рубенс и Караваджо.
Питер Пауль Ру́бенс (1577-1640)
Южнонидерландский (фламандский) живописец, воплотивший подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко.
П.П. Рубенс «Автопортрет» (1623)
Его картины отличаются исключительным разнообразием, особенно это касается композиции: он использует диагональ, эллипс, спираль. Его палитра также разнообразна; богатство красок – отличительная особенность его картин. «Рубенсовские» женщины обычно несколько тяжеловесны, но привлекают своей грузной женской формой.
П.П. Рубенс «Похищение дочерей Левкиппа» (1618)
Сюжетом этой картины Рубенса является миф о братьях Касторе и Поллуксе (сыновьях Зевса и Леды), которые похитили дочерей царя Левкиппа – Гилаиру и Фебу. В этом сюжете Рубенса увлёк сам драматический момент похищения, дающий богатые возможности для пластических решений. На картине удивительным образом передана динамика движения. Движение в понимании Рубенса несёт в себе и эмоциональный порыв, и сюжетный смысл.
Рубенса считают новатором в изображении охотничьих сцен, которые также отличаются динамикой, неожиданной композицией и сочностью красок.
П.П. Рубенс «Охота на гиппопотама» (1618)
Архитектура барокко
Архитектура барокко поражает в первую очередь сложностью и размахом. Обилием сложных, обычно криволинейных форм, масштабными колоннадами. На фасадах зданий и в интерьерах – изобилие скульптуры. Часто многоярусные купола сложных форм. Бесконечное повторение, дублирование одних и тех же приемов.
Собор св. Петра (Ватикан)
И. Грабарь так пишет о римской архитектуре эпохи барокко: «Неврастеническая восторженность удваивает и утраивает все средства выражения: уже мало отдельных колонн, и их, где только можно, заменяют парными; недостаточно выразительным кажется один фронтон, и его не смущаются разорвать, чтобы повторить в нем другой, меньшего масштаба. В погоне за живописной игрой света архитектор открывает зрителю не сразу все формы, а преподносит постепенно, повторяя их по два, по три и по пяти раз. Глаз путается и теряется в этих опьяняющих волнах форм и воспринимает такую сложную систему подымающихся, опускающихся, уходящих и надвигающихся, то подчеркнутых, то теряющихся линий, что не знаешь, которая же из них верная? Отсюда впечатление какого- то движения, непрырывного бега линий и потока форм. Своего высшего выражения этот принцип достигает в приеме «раскреповок», в том многократном дроблении антаблемента, которое вызывает вверху здания прихотливо изгибающуюся линию карниза. Прием этот возведён мастерами барокко в целую систему, необыкновенно сложную и законченную. Сюда же надо отнести и прием групповых пилястр, когда пилястры получают по сторонам ещё полупилястры, а также прием плоских рам, обрамляющих междупилястровые интервалы». Такими средствами в архитектуре взамен ренессансного идеала ясной, устойчивой и завершенной в себе гармонии создавалось «призрачное ощущение».
Отличительные детали барокко – атланты (теламоны), кариатиды – для поддержки сводов, играющие роль колонн; маскароны (вид скульптурного украшения здания в форме головы человека или животного анфас).
Пожалуй, именно в архитектуре барокко представлено во всей полноте и разнообразии. Всех архитекторов этого стиля сложно даже перечислить, назовём лишь несколько имён: Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелли в России, Ян Кристоф Глаубиц в Польше.
В итальянской архитектуре самым знаменитым представителем барокко был Карло Мадерна (1556-1629 гг.). Его главное творение – фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.).
Санта Сусанна (Рим)
Скульптор Лоренцо Бернини был также архитектором. Ему принадлежит оформление площади собора св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения.
Площадь собора св. Петра в Риме
Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (Фландрии), Нидерландах, России, Франции, Речи Посполитой (Польше). В начале XVIII в. во Франции появился свой стиль, разновидность барокко – рококо . Он преобладал не во внешнем оформлении зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели, живописи. Стиль был распространен повсюду в Европе и в России. Но о нём мы расскажем позже. Сейчас же остановимся на русском барокко.
Барокко в России
В России барокко появилось ещё в конце XVII в. (его называли «нарышкинским барокко», «голицынским барокко»). В правление Петра I получает развитие в Санкт-Петербурге и пригородах в творчестве Д. Трезини так называемое «петровское барокко» (более сдержанное), оно достигает расцвета в правление Елизаветы Петровны в творчестве С. И. Чевакинского и Б. Растрелли.
Петровское барокко
Этим термином пользуются историки искусства для характеристики художественного стиля, одобренного Петром I и широко использованного для проектирования зданий в новой российской столице Санкт-Петербурге.
Это был архитектурный стиль, ориентировавшийся на образцы шведской, немецкой и голландской гражданской архитектуры. Хотя сводить всё многообразие архитектурных решений петровских архитекторов к барокко можно только с известной долей условности, т.к. здесь присутствуют черты классицизма и готики.
Архитектуре петровского времени свойственны простота объёмных построений, чёткость членений и сдержанность убранства, плоскостная трактовка фасадов. В отличие от нарышкинского барокко, популярного в это время в Москве, петровское барокко представляло собой решительный разрыв с византийскими традициями, которые доминировали в российской архитектуре почти 700 лет. Голицынское барокко имело сходство с итальянскими и австрийскими образцами.
К числу первых строителей Петербурга принадлежат Жан-Батист Леблон, Доменико Трезини, Андреас Шлютер, Дж. М. Фонтана, Николо Микетти и Г. Маттарнови. Все они прибыли в Россию по приглашению Петра I. Каждый из этих архитекторов вносил в облик сооружаемых зданий традиции своей страны, той архитектурной школы, которую он представлял. Курируя осуществление их проектов, традиции европейского барокко усваивали и русские зодчие, как, например, Михаил Земцов.
Петровские ассамблеи
Они были прообразом дворянского бала. Пётр I ввёл ассамблеи в культурную жизнь русского общества в декабре 1718 г.
Идея была заимствована Петром из форм проведения досуга, виденных им в Европе. Они проводились во все времена года, летом – на открытом воздухе. В программу ассамблей входили еда, напитки, танцы, игры и беседы. Согласно указу, посещение ассамблей было обязательно не только для дворян, но и для их жён, за чем зорко следил «царь балов» Ягужинский. Вчерашние бояре всячески пытались уклониться от участия в ассамблеях, не желая одеваться по новой моде и считая подобное времяпрепровождение неприличным. Недовольство вызывало и участие в увеселениях женщин. Для упреждения «прогулов» Ягужинский просматривал списки приглашённых на ассамблеи и вычислял «нетчиков». Вот так тяжело приживалась европейская мода (в данном случае стиль барокко) в России.
Доменико Трезини (1670-1734)
Итальянец, родившийся в Швейцарии. С 1703 г. работал в России, став первым архитектором Санкт-Петербурга. Трезини заложил основы европейской школы в русской архитектуре.
Петропавловский собор – одна из самых известных работ Доменико Трезини
Другие его работы:
Проект комплекса Александро-Невской лавры (1715 г.)
Аничков мост (1721 г.). Перестроен для увеличения пропускной способности переправы. Новый проект – деревянный 18-пролётный мост, в середине разводной пролёт. Строительство вёл голландский мастер Х. ван Болос.
Аничков мост (современный вид)
Петропавловский собор (1712-1733 гг.) Возведён на месте одноимённой деревянной церкви. Шпиль колокольни с фигурой летящего ангела водружён голландским мастером Х. ван Болосом.
Дом Трезини (1721-1726 гг.). Проектирование осуществлял сам Трезини, строительством занимался М. Земцов.
Расширение Зимнего дворца Петра I для Екатерины I (1726-1727 гг.)
Бартоломе́о Франче́ско Растре́лли (1700-1771)
Л.К. Пфандцельт «Портрет Растрелли»
Русский архитектор итальянского происхождения, академик архитектуры Императорской Академии художеств. Наиболее яркий представитель так называемого елизаветинского барокко.
Его работы:
Рундальский дворец (Латвия). Выстроен в стиле барокко по проекту Ф. Б. Растрелли для Э. И. Бирона в 1736-1740 гг.).
Митавский дворец (Латвия). Построен в XVIII в. по проекту Бартоломео Растрелли как парадная городская резиденция герцогов Курляндии и Семигалии в их столице Митаве (ныне Елгава).
Большой дворец (Петергоф). Расположен на южном берегу Финского залива.
Андреевская церковь (Киев). Православный храм в честь апостола Андрея Первозванного; построен в стиле барокко по проекту Бартоломео Растрелли в 1754 г.
Смольный собор (1748-1764), Воронцовский дворец (1749-1757), Большой Екатерининский дворец (1752-1756) – все в Санкт-Петербурге; павильон «Грот» в Царском Селе (1753-1757), павильон «Эрмитаж» в Царском Селе (1744-1754), Царский дворец в Киеве (1752-1770), Строгановский дворец и Зимний дворец в Санкт-Петербурге (1753-1762).
Зимний дворец (Эрмитаж)
Перечислены только сохранившиеся постройки этого архитектора. К сожалению, не всё, созданное Растрелли, сохранилось до настоящего времени.
Барокко в скульптуре
Величайшим скульптором и признанным архитектором XVII в. был итальянец Лоренцо Бернини.
Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680)
Д.Л. Бернини «Автопортрет»
Самыми известными его скульптурами являются мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном, а также алтарная группа «Экстаз святой Терезы» в одной из римских церквей. Эта скульптура с вырубленными из мрамора облаками и словно развевающимся на ветру одеянием персонажей, с театрально преувеличенными чувствами, очень точно выражает позицию скульпторов этой эпохи.
Д.Л. Бернини «Похищение Прозерпины» (1621-1622). Галерея Боргезе
Д.Л. Бернини «Экстаз святой Терезы»
Литература барокко
В литературе барокко у писателей и поэтов проявилась тенденция воспринимать реальный мир как иллюзию или сон. Часто использовались аллегорические изображения, символы, метафоры, театральные приёмы, антитезы, риторические фигуры. Заметна тяга к символике ночи, теме бренности и непостоянства, жизни-сновидения. Одна из пьес П. Кальдерона так и называется: «Жизнь есть сон». Действия романов часто переносятся в вымышленный мир античности, в Грецию, придворные кавалеры и дамы изображаются в виде пастушков и пастушек, что получило название пасторали
. В поэзии – вычурность, использование сложных метафор. Распространены сонет, рондо, кончетти (небольшое стихотворение, выражающее какую-нибудь остроумную мысль), мадригалы (любовно-лирическое музыкально-поэтическое произведение).
В России к литературе барокко относятся С. Полоцкий, Ф. Прокопович.
Симео́н По́лоцкий (в миру Самуил Гаврилович Петровский-Ситнянович,1629-1680)
Деятель восточнославянской культуры, духовный писатель, богослов, поэт, драматург, переводчик, монах-базилианин, придворный астролог. Был наставником детей русского царя Алексея Михайловича: Алексея, Софьи и Фёдора.
Он также был одним из первых русских поэтов, автором силлабических виршей на церковнославянском и польском языках. Кроме стихотворного переложения Псалтири под названием «Псалтырь Рифмотворная», Полоцкий написал множество стихотворений, составивших сборник «Рифмологион», в которых воспевал разные события из жизни царского семейства и придворных, а также множество нравственно-дидактических поэм, вошедших в «Вертоград Многоцветный». Это сборник является вершиной творчества Симеона Полоцкого, а также одним из наиболее ярких проявлений русского литературного барокко.
С. Полоцкий написал также две комедии (школьные драмы) для зарождавшегося театра, особенным успехом пользовалась «Комедия притчи о Блудном сыне».
Музыка барокко
Музыка барокко появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма . Вычурные формы, сложность, пышность и динамика были свойственны и музыке. Но многие произведения времени барокко стали классикой и исполняются до настоящего времени: фуги Иоганна Себастьяна Баха, произведения Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди.
Э.Г. Осман (Хаусманн) «Портрет И. С. Баха»
Для барочной музыки характерен музыкальный орнамент, ставший в расцвете стиля весьма изощрённым, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений. В эпоху барокко появилась опера
. Многие музыкальные термины барокко используются до сих пор.
Ф.М. де Ла Каве «Портрет А. Вивальди»
Мода барокко
Мода эпохи барокко соответствует во Франции периоду правления Людовика XIV, второй половине XVII в. Это было время абсолютизма. При дворе царили строгий этикет, сложный церемониал. Костюм был подчинен этикету. Именно Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли французскую моду: в Европе установилась общая мода, а национальные особенности сохранились только в народном крестьянском костюме. До Петра I европейские костюмы в России почти не носили.
Костюм отличался чопорностью, пышностью, изобилием украшений. Идеалом мужчины был Людовик XIV, «король-солнце», искусный наездник, танцор, стрелок. Он был низок ростом, поэтому носил высокие каблуки.
Н. де Ларжильер «Портрет Людовика XIV с семьёй»
Поскольку Людовика короновали в возрасте 5 лет, то в моду вошли короткие курточки (брасьер), украшенные кружевами, штаны (ренгравы), похожие на юбку, тоже обильно украшенные кружевами. Жюстокор – тип кафтана, длиной до колен, его носили застегнутым, поверх него – пояс. Под кафтан надевали камзол без рукавов. Кафтан и камзол через 200 лет превратятся в пиджак и жилет. Воротник у жюстокора сначала был отложной, с полукруглыми вытянутыми вниз концами, а позже его сменило жабо. Кроме кружев, на одежде было много бантов. До Людовика XIII были популярны сапоги (ботфорты). В сапогах ходили даже на балах. Их продолжали носить и при Людовике XIV, но только уже в военных походах. В гражданской обстановке на первое место вышли туфли. До 1670 г. они украшались пряжками, а затем бантами. Сложно украшенные пряжки называли аграф.
Мужчины носили пышные парики, высоко торчащие вверх и распускавшиеся по плечам. Парики вошли в обиход при Людовике XIII, который был лыс. Позже они стали намного пышнее. Шляпы в 1660-е годы были широкополые с высокой тульей. В конце века их сменила треуголка, которая осталась популярной и в XVIII в.
Барокко в одежде
Женское платье было на подкладке из китового уса. Оно плавно расширялось к низу, сзади носили шлейф. Полный женский костюм состоял из двух юбок: нижней (фрипон, светлой) и верхней (модест, более тёмной). Нижняя юбка была видна, верхняя расходилась в стороны от нижней части лифа. По сторонам юбку украшали драпировки. Драпировки были также и по краю декольте. Талия - узкая, под платьем носили корсет.
В 1660-е годы модны были прически манчини и севинье, а позже в моду вошла прическа фонтанж. Это высокая прическа из множества локонов.
В моду вошли зонтики, у женщин – муфты, веера. Косметика использовалась без меры: лепили на лице всевозможные мушки (чёрная мушка создавала контраст с напудренными лицами и париками). Мужчины и женщины носили трости.
Популярными материалами того времени были шерсть, бархат, атлас, парча, тафта, муар, камлот, хлопок.
Барокко в интерьере
Здесь характерна показная роскошь. Большое распространение получила настенная роспись, хотя она была популярна и ранее.
Интерьер барокко
В интерьерах использовалось много цвета и крупных, богато украшенных деталей: потолок, украшенный фресками, мраморные стены, позолота. Характерны были цветовые контрасты, например, мраморный пол, оформленный плитками в шахматном порядке. Обильные позолоченные украшения – также характерная черта барокко.
Мебель была предметом искусства и предназначалась для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, гигантские шкафы.
Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовался южный орех и цейлонское чёрное дерево.
Стиль барокко подходит только для больших помещений, так как массивная мебель и украшения занимают большой объём в пространстве. Кстати, уже есть тенденция к его возвращению - некоторые обустраивают свои квартиры в этом стиле.
Барокко (итал. barocco - «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca - «жемчужина неправильной формы» - характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков.
Эпоха барокко
Эпоха барокко порождает огромное количество времени ради развлечений: вместо паломничеств - променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров - «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий - театр и бал-маскарад. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука.
Черты барокко
Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).
Человек эпохи барокко
Барочный человек отвергает естественность, которая отождествляется с дикостью, бесцеремонностью, самодурством, зверством и невежеством. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса. Она на каблуках.
А идеалом мужчины в эпоху барокко становится кавалер, джентльмен - от англ. gentle: «мягкий», «нежный», «спокойный». Он предпочитает брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета.
Галилей впервые направляет телескоп к звёздам и доказывает вращение Земли вокруг Солнца (1611), а Левенгук под микроскопом обнаруживает крошечные живые организмы (1675). Огромные парусники бороздят просторы мирового океана, стирая белые пятна на географических картах мира. Литературными символами эпохи становятся путешественники и искатели приключений.
Барокко в скульптуре
Скульптура — неотъемлемая часть стиля барокко. Величайшим скульптором и признанным архитектором 17 века был итальянец Лоренцо Бернини (1598-1680). Среди самых известных его скульптур - мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном, а также алтарная группа«Экстаз святой Терезы» в одной из римских церквей. Последняя из них со своими вырубленными из мрамора облаками и словно развевающимся на ветру одеянием персонажей, с театрально преувеличенными чувствами, очень точно выражает устремления скульпторов этой эпохи.
В Испании в эпоху стиля барокко преобладали деревянные скульптуры, для большого правдоподобия их делали со стеклянными глазами и даже хрустальной слезой, на статую часто надевали настоящие одежды.
Барокко в архитектуре
Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелл и в России, Ян Кристоф Глаубиц в Речи Посполитой) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко - теламон (атлант), кариатида, маскарон.
Барокко в интерьере
Для стиля барокко характерна показная роскошь, хотя он сохраняет в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия.
Настенная роспись (один из видов монументальной живописи) использовалась в украшении европейских интерьеров с ранне-христианских времён. В эпоху барокко она получила наибольшее распространение. В интерьерах использовалось много цвета и крупных, богато украшенных деталей: потолок, украшенный фресками, мраморные стены и части декора, позолота. Характерны были цветовые контрасты - например, мраморный пол, оформленный плитками в шахматном порядке. Обильные позолоченные украшения были характерной чертой данного стиля.
Мебель была предметом искусства, и предназначалась практически только для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой, богато окрашенной тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, гигантские шкафы. Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовался южный орех и цейлонское чёрное дерево.
Стиль барокко не подходит для небольших помещений, так как массивная мебель и украшения занимают большой объём в пространстве.
Барочная мода
Мода эпохи барокко соответствует во Франции периоду правления Людовика XIV, второй половине XVII века. Это время абсолютизма. При дворе царили строгий этикет, сложный церемониал. Костюм был подчинен этикету. Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли французскую моду. Это был век, когда в Европе установилась общая мода, а национальные особенности отошли на задний план или сохранились в народном крестьянском костюме. До Петра I европейские костюмы носили также и в России некоторые аристократы, хотя не повсеместно.
Костюму были характерны чопорность, пышность, изобилие украшений. Идеалом мужчины был Людовик XIV, «король-солнце», искусный наездник, танцор, стрелок. Он был низок ростом, поэтому носил высокие каблуки.
Барокко в живописи
Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - творчество Рубенса и Караваджо .
Микеланджело Меризи (1571-1610), которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо , считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, такие как Аннибале Карраччи (1560-1609) или Гвидо Рени (1575-1642), переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.